Искусство 🎨

[Антуанетта]

Владимир Маковский "Не пущу" 1892

Эта картина изображает жуткую по своей сути сцену, которая, к сожалению, имеет место в некоторых семьях и в наше время. На полотне мы видим, как женщина всеми силами пытается преградить своему мужу вход в пивную. В её глазах читается явный страх, но она готова на всё, чтобы горе-пьяница не отнёс в кабак последнее, что есть в семье.
Мужчина держит в руках жалкие пожитки, которые сейчас же готов пропить. Он с ненавистью смотрит на жену, пытающуюся остановить его. Даже грустные глаза ребёнка не останавливают пьяного тирана.

Видно, что мужчина завёл руку за спину. Возможно, он хочет вытащить оттуда нож, чтобы безжалостно прочистить себе дорогу в пивную. Драматизм ситуации усиливается показным одиночеством семейной пары: вокруг нет ни одной живой души и ни единого намека на спасение.

«Несчастные работники и ремесленники часто тратят в кабаках все, что должны были бы принести своим женам и детям; часто можно видеть, как они пропивают даже одежду и остаются абсолютно голыми»,— писал в своих записях о России английский дипломат Д.Флетчер.

Владимир Маковский постарался сделать свою картину максимально реалистичной. Он показал трагическую женскую долю и безвыходность создавшейся ситуации. Именно поэтому мы никогда не увидим это произведение в школьных учебниках.

 

[Антуанетта]

«Всё это тщеславие» ("Всё суета")
Чарльз Гилберт, 1896

Будучи младшим из трёх братьев, американский художник Чарльз Аллан Гилберт в детстве часто болел и был прикован к постели. Чтобы скоротать время, он начал рисовать. Уже будучи взрослым, он учился в художественной студенческой лиге Нью-Йорка, а затем открыл студию.

“Всë суета" — одна из самых известных его картин. На картине изображена молодая женщина, смотрящая на свое отражение в зеркале в форме черепа. Смысл картины Гилберта более чем понятен.

 

[Антуанетта]

Константин Флавицкий "Княжна Тараканова" 1864

Автор произведения - Константин Дмитриевич Флавицкий (1864 год). Сам он родился в Санкт-Петербурге в 1830 году. Большую популярность ему дала работа над «Княжной Таракановой», которая в данный момент принадлежит Третьяковской галерее.

На холсте изображена красивая женщина, страдающая от неизбежности своей гибели. Действие происходит в Петропавловской крепости в момент наводнения. Тараканова находится на кровати, до которой уже почти поднялась вода, и откинув голову назад, с ужасом понимает происходящее. Крысы, находящиеся в камере, пытаются спастись, забравшись на кровать в след за Таракановой. Самое страшное в картине - это контраст красок и вещей. Шикарное красное платье противопоставляется бедной обстановке в тюремной камере. Скромная деревянная мебель, скудный обед и ободранные стены не подходят для такой красивой девушки. Красный цвет четко выделяется среди серых невзрачных красок. Тараканова не настоящая фамилия княжны. Такое имя давали незаконнорожденным потомкам Елизаветы Петровны. Александр II с недоверием воспринял эту картину и приказал записать этот сюжет, как придуманный в каком-либо романе и не имеющий отношения к реальной жизни.
С исторической точки зрения этюд на картине - выдумка художника. Вокруг княжны, которая действительно является известной личностью, до сих пор "ходят" многочисленные версии ее рождения, образа жизни и последних ее дней. Константин Флавицкий выбрал самое яркое из всех предположений и не прогадал, что именно такой сюжет повлияет на зрителя. Сама девушка называла себя будущей правительницей Российской Империи, наследницей Елизаветы Петровны. "Лжеелизавета" предъявила, как утверждает история, лживые документы о своем наследстве от матери и свое желание взойти на престол.

Правящая на тот момент Екатерина II с помощью графа Орлова, своего фаворита, заманили девушку на корабль и произвели ее арест. Императрица желала выяснить происхождение девушки, и одна из версий гласила, что Тараканова - дочь обычного трактирщика. Сама Елизавета яро отрицала это предположение. Императрица предложила Таракановой свободу в обмен на ее признание себя самозванкой. Девушка отказалась это сделать, даже при покаянии перед своей смертью священнику. Княжна Тараканова окончила свои дни от туберкулеза.
До сих пор личность этой загадочной женщины неизвестна. Нет доказательств, что Тараканова действительно была наследницей, но также нет и явного опровержения. Как упоминает история, после смерти этой девушки Екатерина II нашла настоящую внебрачную дочь Елизаветы и заперла ее в монастыре, где та провела всю свою жизнь.

Был ли смысл скрывать правду этой девушке, даже перед смертью? Никто этого никогда не узнает. Каждый решает сам для себя - что для него реальность, а что миф. Но одно ясно наверняка. Этюд, представленный на холсте Константина Дмитриевича случился через два года после кончины девушки.

 

[Владислав Андреевич]

Картина «Звездная ночь»​

Автор: Винсент Ван Гог
Год: 1889



Нет на свете художника, которого не притягивало бы звездное небо. Автор не раз обращался к этому романтичному и загадочному объекту.

Мастеру было тесно в рамках реального мира. Он посчитал, что именно его фантазия, игра воображения необходимы для более полного изображения. Известно, что к моменту создания картины, автор проходил очередной курс лечения, ему разрешали работать только в случае улучшения состояния. Художник был лишен возможности творить на натуре. Многие работы в этот период (в том числе и "Звездную ночь") он создал по памяти.

Мощные, экспрессивные мазки, густые цвета, непростая композиция - все в этой картине рассчитано на восприятие с большого расстояния.

Удивительным образом автору удалось отделить небо от Земли. Складывается впечатление, что активное движение в небе никак не влияет на то, что происходит на земле. Внизу сонный городок, готовый уснуть мирным сном. Наверху - мощные потоки, огромные звезды и непрекращающееся движение.

Свет в работе исходит именно от звезд и луны, но его направленность непрямая. Блики, освещающие ночной город, выглядят случайными, отколовшимися от общего могучего вихря, царящего над миром.

Между небом и землей, соединяя их, растет кипарис, вечный, неумирающий. Дерево важно для автора, оно единственное способно передать всю небесную энергию живущим на земле. Кипарисы стремятся в небо, их устремленность так сильна, что кажется - еще секунда и деревья расстанутся с землей ради неба. Словно языки зеленого пламени смотрятся вековые ветви устремленные ввысь.

Сочетание насыщенного синего и желтого цветов, известного геральдического сочетания, создает особую атмосферу, завораживает и приковывает внимание к работе.

Художник неоднократно обращался к ночному небу. В известной работе "Небо над Роной" мастер еще не столь кардинально и экспрессивно подходит к изображению небосвода.

Символический смысл картины многие трактуют по-разному. Некоторые склонны видеть в картине прямую цитату Ветхого завета или Откровения. Кто-то считает излишнюю экспрессивность картины результатом болезни мастера. Все сходятся в одном - мастер к концу жизни лишь наращивает внутреннее напряжение своих работ. Мир искажается в восприятии художника, он перестает быть прежним, в нем обнаруживаются новые формы, линии и новые эмоции, более сильные и точные. Мастер обращает внимание зрителя на те фантазии, которые делают окружающий мир более ярким и нестандартным.

Сегодня именно эта работа стала одной из самых узнаваемых работ Ван Гога. Картина находится в американском музее, но в Европу картина попадает регулярно, выставляется в крупнейших музеях Старого света.

 

[Антуанетта]

Посмотреть вложение 8800 Картина «Звездная ночь»​

Автор: Винсент Ван Гог
Год: 1889



Нет на свете художника, которого не притягивало бы звездное небо. Автор не раз обращался к этому романтичному и загадочному объекту.

Мастеру было тесно в рамках реального мира. Он посчитал, что именно его фантазия, игра воображения необходимы для более полного изображения. Известно, что к моменту создания картины, автор проходил очередной курс лечения, ему разрешали работать только в случае улучшения состояния. Художник был лишен возможности творить на натуре. Многие работы в этот период (в том числе и "Звездную ночь") он создал по памяти.

Мощные, экспрессивные мазки, густые цвета, непростая композиция - все в этой картине рассчитано на восприятие с большого расстояния.

Удивительным образом автору удалось отделить небо от Земли. Складывается впечатление, что активное движение в небе никак не влияет на то, что происходит на земле. Внизу сонный городок, готовый уснуть мирным сном. Наверху - мощные потоки, огромные звезды и непрекращающееся движение.

Свет в работе исходит именно от звезд и луны, но его направленность непрямая. Блики, освещающие ночной город, выглядят случайными, отколовшимися от общего могучего вихря, царящего над миром.

Между небом и землей, соединяя их, растет кипарис, вечный, неумирающий. Дерево важно для автора, оно единственное способно передать всю небесную энергию живущим на земле. Кипарисы стремятся в небо, их устремленность так сильна, что кажется - еще секунда и деревья расстанутся с землей ради неба. Словно языки зеленого пламени смотрятся вековые ветви устремленные ввысь.

Сочетание насыщенного синего и желтого цветов, известного геральдического сочетания, создает особую атмосферу, завораживает и приковывает внимание к работе.

Художник неоднократно обращался к ночному небу. В известной работе "Небо над Роной" мастер еще не столь кардинально и экспрессивно подходит к изображению небосвода.

Символический смысл картины многие трактуют по-разному. Некоторые склонны видеть в картине прямую цитату Ветхого завета или Откровения. Кто-то считает излишнюю экспрессивность картины результатом болезни мастера. Все сходятся в одном - мастер к концу жизни лишь наращивает внутреннее напряжение своих работ. Мир искажается в восприятии художника, он перестает быть прежним, в нем обнаруживаются новые формы, линии и новые эмоции, более сильные и точные. Мастер обращает внимание зрителя на те фантазии, которые делают окружающий мир более ярким и нестандартным.

Сегодня именно эта работа стала одной из самых узнаваемых работ Ван Гога. Картина находится в американском музее, но в Европу картина попадает регулярно, выставляется в крупнейших музеях Старого света.

Читала, что в те годы ещё было неизвестно точно, как выглядят звезды, что вокруг них формируются "туманности" и вот такие завихрения, а он, мол, как-будто знал и так изобразил их.

 

[AlpenGold]

«Всё это тщеславие» ("Всё суета")
Чарльз Гилберт, 1896


Посмотреть вложение 8797

Будучи младшим из трёх братьев, американский художник Чарльз Аллан Гилберт в детстве часто болел и был прикован к постели. Чтобы скоротать время, он начал рисовать. Уже будучи взрослым, он учился в художественной студенческой лиге Нью-Йорка, а затем открыл студию.

“Всë суета" — одна из самых известных его картин. На картине изображена молодая женщина, смотрящая на свое отражение в зеркале в форме черепа. Смысл картины Гилберта более чем понятен.

увидел череп только после прочтения описания , целиком картину не видно приходиться перелистывать. По этому наверное и не увидел .

 

[Антуанетта]

увидел череп только после прочтения описания , целиком картину не видно приходиться перелистывать. По этому наверное и не увидел .

Мне сразу в глаза бросилось, без описания

 

[Апология]

Владимир Маковский "Не пущу" 1892

Посмотреть вложение 8796


Эта картина изображает жуткую по своей сути сцену, которая, к сожалению, имеет место в некоторых семьях и в наше время. На полотне мы видим, как женщина всеми силами пытается преградить своему мужу вход в пивную. В её глазах читается явный страх, но она готова на всё, чтобы горе-пьяница не отнёс в кабак последнее, что есть в семье.
Мужчина держит в руках жалкие пожитки, которые сейчас же готов пропить. Он с ненавистью смотрит на жену, пытающуюся остановить его. Даже грустные глаза ребёнка не останавливают пьяного тирана.

Видно, что мужчина завёл руку за спину. Возможно, он хочет вытащить оттуда нож, чтобы безжалостно прочистить себе дорогу в пивную. Драматизм ситуации усиливается показным одиночеством семейной пары: вокруг нет ни одной живой души и ни единого намека на спасение.

Владимир Маковский постарался сделать свою картину максимально реалистичной. Он показал трагическую женскую долю и безвыходность создавшейся ситуации. Именно поэтому мы никогда не увидим это произведение в школьных учебниках.

Как злободневно)

 

[Антуанетта]

Как злободневно)

Да, и вторая, которая "Прощальный взгляд", в тему

 

[Апология]

Мраморная вуаль - это апогей искусства скульптуры. Превращение мрамора в прозрачный, невесомый, дышащий шелк – высший пилотаж и гениальное мастерство, доступное единицам. Работы в технике мраморная вуаль можно пересчитать по пальцам, а мастеров, создавших эти шедевры и того меньше.
Техника создания «мраморной вуали»
Техника необыкновенно сложна. Глядя на работы, теряешься в догадках, как это было возможно создать. А ведь мастера работали исключительно вручную, часто вытачивали скульптуры из цельного куска мрамора, без применения каких-либо автоматизированных технологий.

Как удавалось художникам передавать воздушную невесомость вуали, воссоздавать тончайшие складки ткани, и при этом полностью показать во всех деталях внешность человека и строение его тела? Ученые посвящали разгадке тайны мраморной вуали долгие годы жизни. Один из мастеров – Рафаэль Монти - приоткрыл секреты и технологию этой сложнейшей техники:

Используется особенный тип мрамора, имеющий два слоя с разной плотностью. Верхний слой этого мрамора имеет меньшую плотность по сравнению с нижним. Именно искусная, ювелирная обработка верхнего слоя мрамора позволяла умелым рукам мастера создавать эффект прозрачности вуали. Поэтому малое количество скульптур, выполненное в этой технике, объясняется не только ее сложностью, но еще и редкостью подходящего минерала.

Самым знаменитым скульптором-«вуалистом» 19 века по праву считается Рафаэль Монти (1818-1881 гг.) – тот самый, который приоткрыл особенности технологии создания этого чуда. Его мраморные вуали совершенны настолько, что пропускают свет. Самые известные скульптуры - весталки, служительницы языческой богини Весты.

 

[Антуанетта]

Мраморная вуаль - это апогей искусства скульптуры. Превращение мрамора в прозрачный, невесомый, дышащий шелк – высший пилотаж и гениальное мастерство, доступное единицам. Работы в технике мраморная вуаль можно пересчитать по пальцам, а мастеров, создавших эти шедевры и того меньше.
Техника создания «мраморной вуали»
Техника необыкновенно сложна. Глядя на работы, теряешься в догадках, как это было возможно создать. А ведь мастера работали исключительно вручную, часто вытачивали скульптуры из цельного куска мрамора, без применения каких-либо автоматизированных технологий.

Как удавалось художникам передавать воздушную невесомость вуали, воссоздавать тончайшие складки ткани, и при этом полностью показать во всех деталях внешность человека и строение его тела? Ученые посвящали разгадке тайны мраморной вуали долгие годы жизни. Один из мастеров – Рафаэль Монти - приоткрыл секреты и технологию этой сложнейшей техники:

Используется особенный тип мрамора, имеющий два слоя с разной плотностью. Верхний слой этого мрамора имеет меньшую плотность по сравнению с нижним. Именно искусная, ювелирная обработка верхнего слоя мрамора позволяла умелым рукам мастера создавать эффект прозрачности вуали. Поэтому малое количество скульптур, выполненное в этой технике, объясняется не только ее сложностью, но еще и редкостью подходящего минерала.

Самым знаменитым скульптором-«вуалистом» 19 века по праву считается Рафаэль Монти (1818-1881 гг.) – тот самый, который приоткрыл особенности технологии создания этого чуда. Его мраморные вуали совершенны настолько, что пропускают свет. Самые известные скульптуры - весталки, служительницы языческой богини Весты.Посмотреть вложение 8819

Да, в этой технике много достойных работ. К нам в музей привозили такую:

В этом плане прекрасны работы Бернини.

«Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», - писал преемник Микеланджело, итальянский художник, виртуоз скульптуры и архитектуры эпохи барокко Лоренцо Бернини (1598-1680).

Вот, к примеру, "Похищение Прозерпины":

Давайте посмотрим на главное произведение мастера – скульптуру, о которой до сих пор слагают легенды; которую воспевают современные камнерезы и скульпторы; к ней обращаются люди, изучающие мифологию и искусство.

Называется это рукотворное чудо «Похищение Прозерпины». Бернини создал ее за два года (1621-1622), будучи совсем юным – в возрасте 23 лет. Высота статуи составляет почти три метра (295 сантиметров).

Интересен сюжет, легший в основу скульптуры. Это один из самых известных мифов Древней Греции, который неоднократно находил воплощение в предметах искусства. Миф о похищении Прозерпины.

Прозерпина была юной девушкой, дочерью Зевса и богини плодородия Деметры. Прозерпина с подругами резвилась в цветущем саду, не зная о том, что ее отец дал согласие на ее брак с Плутоном – мрачным властителем подземного царства теней. Вдруг девушка увидела цветок райской красоты и сорвала его, отчего разверзлась земля и из подземелья прискакал Плутон на золотой колеснице. Бог подземного мира похитил девушку, и был у этого события лишь один свидетель – Гелиос, бог солнца.

Деметра, мать девушки, принялась за поиски своей дочери, но никто не мог ей помочь. Девять дней она бродила по земле, горько плача. Наконец богиня обратилась к Гелиосу, который поведал ей всю историю похищения. Тогда Деметра разгневалась на Зевса за то, что тот отдал дочь против ее воли. Богиня приняла вид обычной смертной и покинула Олимп, в надежде найти вход в подземное царство. Так как богиня плодородия отказалась от своего титула, с ее уходом любой рост на земле остановился. Опустели виноградники, погибали листья и трава. Всему роду людскому угрожало неминуемое уничтожение.

Ничего не оставалось Зевсу другого, кроме как повелеть Плутону отпустить Прозерпину. Плутон отпустил супругу с условием, что она будет возвращаться к нему каждый год. С тех пор две трети года Прозерпина живет с матерью на земле, а на одну треть спускается в подземное царство к своему супругу. Так и идут циклы природы – вечная смена теплого плодородного сезона холодом и временным угасанием растительной жизни..

На эту скульптурную композицию хочется смотреть бесконечно долго. Она производит впечатление динамики; при смене ракурса будто бы меняются пропорции и великолепно передается направление движения, таким образом проявляя драматизм истории. Прозерпина кажется живой и испуганной, крошечной в руках бога подземного мира. Просим Вас уделить особое внимание рукам Плутона - они безупречны.

Эта скульптура, как и все творчество маэстро Бернини может служить образцом эстетики барокко. Здесь есть повышенная эмоциональность, театральность, союз религиозной аффектации с подчёркнутой чувственностью.

На сегодняшний день скульптура украшает римскую галерею Боргезе.

 

[Апология]

Да, в этой технике много достойных работ. К нам в музей привозили такую:

В этом плане прекрасны работы Бернини.

«Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», - писал преемник Микеланджело, итальянский художник, виртуоз скульптуры и архитектуры эпохи барокко Лоренцо Бернини (1598-1680).

Вот, к примеру, "Похищение Прозерпины":

Давайте посмотрим на главное произведение мастера – скульптуру, о которой до сих пор слагают легенды; которую воспевают современные камнерезы и скульпторы; к ней обращаются люди, изучающие мифологию и искусство.

Называется это рукотворное чудо «Похищение Прозерпины». Бернини создал ее за два года (1621-1622), будучи совсем юным – в возрасте 23 лет. Высота статуи составляет почти три метра (295 сантиметров).

Интересен сюжет, легший в основу скульптуры. Это один из самых известных мифов Древней Греции, который неоднократно находил воплощение в предметах искусства. Миф о похищении Прозерпины.

Посмотреть вложение 8821Посмотреть вложение 8822

Прозерпина была юной девушкой, дочерью Зевса и богини плодородия Деметры. Прозерпина с подругами резвилась в цветущем саду, не зная о том, что ее отец дал согласие на ее брак с Плутоном – мрачным властителем подземного царства теней. Вдруг девушка увидела цветок райской красоты и сорвала его, отчего разверзлась земля и из подземелья прискакал Плутон на золотой колеснице. Бог подземного мира похитил девушку, и был у этого события лишь один свидетель – Гелиос, бог солнца.

Посмотреть вложение 8823

Деметра, мать девушки, принялась за поиски своей дочери, но никто не мог ей помочь. Девять дней она бродила по земле, горько плача. Наконец богиня обратилась к Гелиосу, который поведал ей всю историю похищения. Тогда Деметра разгневалась на Зевса за то, что тот отдал дочь против ее воли. Богиня приняла вид обычной смертной и покинула Олимп, в надежде найти вход в подземное царство. Так как богиня плодородия отказалась от своего титула, с ее уходом любой рост на земле остановился. Опустели виноградники, погибали листья и трава. Всему роду людскому угрожало неминуемое уничтожение.

Ничего не оставалось Зевсу другого, кроме как повелеть Плутону отпустить Прозерпину. Плутон отпустил супругу с условием, что она будет возвращаться к нему каждый год. С тех пор две трети года Прозерпина живет с матерью на земле, а на одну треть спускается в подземное царство к своему супругу. Так и идут циклы природы – вечная смена теплого плодородного сезона холодом и временным угасанием растительной жизни..

Посмотреть вложение 8824

На эту скульптурную композицию хочется смотреть бесконечно долго. Она производит впечатление динамики; при смене ракурса будто бы меняются пропорции и великолепно передается направление движения, таким образом проявляя драматизм истории. Прозерпина кажется живой и испуганной, крошечной в руках бога подземного мира. Просим Вас уделить особое внимание рукам Плутона - они безупречны.

Эта скульптура, как и все творчество маэстро Бернини может служить образцом эстетики барокко. Здесь есть повышенная эмоциональность, театральность, союз религиозной аффектации с подчёркнутой чувственностью.

На сегодняшний день скульптура украшает римскую галерею Боргезе.

Завораживает*_*

 

[Антуанетта]

Завораживает*_*

Я вообще не понимаю, КАК можно сделать ЭТО из мрамора, да ещё и руками?

 

[Апология]

Я вообще не понимаю, КАК можно сделать ЭТО из мрамора, да ещё и руками?

Магия искусства

 

[Антуанетта]

Магия искусства

А ещё великий труд, человеческий, который эту магию создал

 

[Мишаня]

Читала, что в те годы ещё было неизвестно точно, как выглядят звезды, что вокруг них формируются "туманности" и вот такие завихрения, а он, мол, как-будто знал и так изобразил их.

Без масонов не обошлось

 

[Валерия Николаевна]

Не могу не поделиться своей работой «Крик». Писала с образца, конечно.
Мне очень понравились цвета, играющие в работе Мунка, поэтому решила попробовать написать (списать)) картину.
«Крик» как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения.
1.Работа акварелью
2. Оригинал

 

[Тихий Омут]

Не могу не поделиться своей работой «Крик». Писала с образца, конечно.
Мне очень понравились цвета, играющие в работе Мунка, поэтому решила попробовать написать (списать)) картину.
«Крик» как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения.
1.Работа акварелью
2. Оригинал
Посмотреть вложение 8895Посмотреть вложение 8896

Лера, ты талант!

 

[Валерия Николаевна]

Лера, ты талант!

Большое спасибо!

 

[Антуанетта]

Не могу не поделиться своей работой «Крик». Писала с образца, конечно.
Мне очень понравились цвета, играющие в работе Мунка, поэтому решила попробовать написать (списать)) картину.
«Крик» как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения.
1.Работа акварелью
2. Оригинал
Посмотреть вложение 8895Посмотреть вложение 8896

Лера, расскажешь историю картины Мунка? Про психушку